Fiel ao programa que se impôs desde a inauguração – oferecer a visitantes, amadores e colecionadores de arte em geral, sem preconceitos nem exclusividades, manifestações artísticas que se destaquem pela qualidade e invenção -, a Galeria de Arte Ricardo von Brüsky e Cacá Nóbrega hoje orgulhosamente apresenta a obra de quatro importantes artistas, cada qual articulando linguagem própria e todos com largo tirocínio e não menor reconhecimento – inclusive a nível internacional -, não fossem eles figuras exponenciais da Street Art, tendência da arte ocidental que, avessa a meios expressivos, gêneros e técnicas tradicionais, utiliza muros, paredões, túneis, viadutos, desvãos, córregos, becos escusos e prédios abandonados, ruínas, veículos e, em poucas palavras, a Cidade em todos os seus meandros e sob os mais diversos ângulos, como suporte para expressar emoções, sentimentos, anseios e frustrações, para isso fazendo uso das mais variadas técnicas. 

Esta é uma exposição por todos os motivos oportuna, pois acontece no momento em que as vanguardas artísticas parecem próximas do esgotamento, e em que se revelam inócuas todas essas estéticas do pós-pós que ainda teimam em dominar nossas artes visuais, hoje reduzidas, salvo raríssimas exceções, a um mero jogo de propostas repetitivas e vazias de significado ou sentido. Na verdade, talvez resida nessa arte que vem da rua aquela sabedoria que propõe a redenção da Terra pela nudeza imensa da simplicidade do saber popular e natural de que tratou Bené Fonteles em 2001, no manifesto “Antes arte do que tarde”, no qual entre tantas outras coisas que levam a pensar, ele se rebela contra “mais um cd sem amor à música, mais um teatro absurdo sem serviço à consciência planetária ou mais um balé para dançar narciso”, e indaga:

– Que espécie de seres são estes que deixam-se guiar mais por teorias estéticas pensadas na academia do que por suas intuições e vivências solidárias e responsáveis com o povo do seu país, a Natureza e a universalidade do planeta?

Pois bem: são de outra espécie muito diferente os artistas que aqui hoje expõem, todos nascidos e ativos em São Paulo – não fosse essa megalópole uma das mecas da Street Art mundial. São eles Fefê (Fernanda Salinas Talavera), Zezão (José Augusto Amaro Handa), Órion (Alexandre Órion) e Celso (Celso Gitahy).

Dois dos quatro expositores – Fefê e Celso – passaram por aprendizagem artística regular, ela na FAAP, ele na Faculdade de Belas Artes de São Paulo: um e outro fazem questão no entanto de deixar bem claro, nisso iguais aos dois outros expositores, que tudo quanto de fato aprenderam e buscam expressar foram encontrar na rua, adveio-lhes do tremendo choque sentido ante a realidade brutal que a cidade grande ofereceu a seus olhos, do impacto que lhes causaram os contrastes sociais, da perturbadora percepção de cenários e temas que academia alguma seria capaz sequer de imaginar. 

Não fosse filha de mexicanos, pelo mundo de ideias de Fefê perpassam dragões e monstros alados, animais de remotas mitologias saídos de sonhos e materializados numa profusão  de formas e cores, sem falar nas cabeças separadas dos corpos, quem sabe em algum ritual primitivo: em tais momentos, é como se um demônio azteca a tomasse pela mão. Mas a artista sabe mesclar esse fabulário ancestral a elementos da cultura urbana brasileira, e o resultado é um convite ao espectador para que mergulhe num mundo regido por forças atávicas e pelos pulsares da cidade, sem que em nenhum momento se altere o elevado nível artístico em que se desenvolve toda a sua produção.

Celso, dos primeiros a adotar a arte de rua no Brasil, ainda na década de 1980, desde então vem dando prioridade ao estêncil para expressar um rico vocabulário plástico, dominado por tv-nautas e outros seres híbridos – corpos humanos ou de cães, cobras, tigres, golfinhos e de outros animais, cujas cabeças foram substituídas por carros, monitores de televisão, motores e todo tipo de maquinária. É esse o modo que ele encontrou para denunciar o Homem-Máquina, obcecado pela parafernália mecânica que hoje tem a seu dispor, e que pensa dominar, quando em verdade é por ela dominado. Mas de várias outras técnicas serve-se Celso Gitahy, que não hesitou por exemplo em transformar um velho fusca em ambulância, em cujas janelas são projetadas bulas de remédio.

Para o veterano escriba das artes que assina o presente texto, e que (para citar Pessoa), ao longo de décadas já “viu como um danado” , a obra de Alexandre Órion é a prova cabal de que ainda lhe resta muito por ver. Surpreendeu-o, de fato, ver alguém que emprega como material artístico a própria poluição da cidade, e que inventou a polugrafia, técnica que utiliza a poluição causada ao meio ambiente pelos escapamentos dos caminhões para criar um novo tipo de gravura. Foi desbastando a espessa camada de fuligem acumulada ao longo do tempo nas paredes dos tuneis paulistanos que Órion criou  “Ossário”, macabro amontoado de caveiras cujas órbitas vazias parecem fitar-nos, ou então “Memo”, uma assembleia de espectros a nos observar em atitude de evidente reprovação. Mas não ficou nisso a criatividade de Órion: em “Vergonha na cara”, por exemplo, foi com bitucas ou guimbas de cigarro que ele trabalhou. 

Como o peludo artista que há 40 mil anos povoou de bisões Altamira, ou como o anônimo pintor que nos primeiros tempos do Cristianismo deixou nas catacumbas os símbolos e emblemas de sua fé, Zezão mergulhou nas profundezas de São Paulo para criar em esgotos e galerias de águas pluviais seu museu pelo avesso, junto a animais mortos, dejetos e detritos de toda espécie. Nas fétidas paredes desses lugares ele deixou sua marca: os belos grafismos azulados de um alfabeto por ele inventado. Não satisfeito, levou para a luz do dia tais dejetos, combinando-os de forma a com eles, em inéditas montagens, mostrar o lado obscuro da cidade, suas entranhas por assim dizer.

Esses os quatro artistas de que hoje nos ocupamos; e que os visitantes possam experimentar, diante de suas obras, a mesma estranha emoção que a nós causaram.